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CUANDO EL MITO ETERNO TRANSFORMA EL PRESENTE Y REVISA EL FUTURO

Daniel Dacio utiliza el acercamiento a un mito clásico para ofrecer a quien contempla su obra un nuevo tamiz conceptual para interpretar la realidad actual

Los mitos siempre han sido una forma de presentar una generalidad que afecta a la humanidad como una historia que es protagonizada por una sola persona. Esto es algo que siempre ha tenido muy claro Daniel Dacio a la hora de enfrentar su creación pictórica y no renuncia a ello en El Error de Prometeo, el proyecto pictórico que presenta en la YLK Art Gallery, Madrid, dentro de Muestra t, el festival cultural de MADO 2026.

En su colección, el personaje mítico de Prometeo se convierte en un eje conceptual, un tamiz por el que el artista nos propone pasar la realidad presente para comprender el impulso humano de cambio y da acceso al conocimiento que también afecta al ser humano moderno

 En su proyecto, las figuras aparecen suspendidas, fragmentadas o en transformación, situadas en un estado de inestabilidad entre forma y disolución que se convierten en una metáfora figurativa de la tensión que afronta el ser humano en cada una de sus decisiones en cada combate entre los deseos ideales y los límites reales o autoimpuestos, entre el poder y la trascendencia. Esta transformación conecta con las experiencias queer al mostrar identidades que cambian y escapan de categorías fijas. En este sentido, Prometeo representa el deseo de explorar nuevas formas de ser y de vivir con libertad.

En esta exposición Dacio utiliza la mitología clásica como prisma para reflexionar sobre el conocimiento, la ambición y los límites de la comprensión humana.

La PHotoESPAÑA, consolidada desde su creación en 1998 como uno de los festivales de fotografía y artes visuales más relevantes de Europa, transforma cada año ciudades como Madrid en un epicentro internacional de la imagen contemporánea. En su edición 2026, el festival reafirma su papel como plataforma de proyección para artistas, galerías y agentes clave del ecosistema artístico global.

En este contexto de excelencia y visibilidad internacional, YLK Art Gallery tiene el honor de anunciar su selección oficial dentro del programa del festival, integrándose en el circuito que reúne algunas de las propuestas más sólidas del panorama contemporáneo. Esta distinción representa un reconocimiento a la trayectoria de la galería y una valiosa oportunidad para estrechar vínculos con coleccionistas, curadores y profesionales del arte a nivel internacional.

Como parte de esta participación, YLK Art Gallery presentará la obra de la artista española Guadalupe Cámara, quien exhibirá su proyecto Insondables, un paisaje revelado durante el mes de junio. Esta propuesta se inscribe dentro de una línea de investigación visual que explora la profundidad del territorio, la memoria y la percepción, invitando al espectador a una experiencia contemplativa y sensorial.

La presencia de la galería en PHotoESPAÑA sitúa su programa dentro de un entorno donde convergen discursos artísticos de relevancia global, favoreciendo el diálogo entre artistas emergentes y consolidados. A su vez, refuerza su compromiso con la promoción de propuestas curatoriales que dialogan con las inquietudes contemporáneas y con las dinámicas actuales del mercado del arte.YLK Art Gallery extiende una invitación a coleccionistas, profesionales y público en general a formar parte de esta edición, descubriendo una exhibición que no solo amplía los límites de la imagen, sino que también propone nuevas formas de mirar y comprender el paisaje desde una sensibilidad contemporánea.

Ketih Haring (USA) Consulta precio, disponibilidad y proceso de venta por DM o a info@yurilopezkullins.com
Envíos Internacionales 

Lenguajes en diálogo: color y monocromía

Esta exposición propone un encuentro entre dos modos esenciales de construir sentido en el arte contemporáneo: la expansión expresiva del color y la sobriedad reflexiva de la monocromía. Lejos de plantearse como opuestos irreconciliables, ambos lenguajes se presentan aquí como territorios que se observan, se interpelan y se enriquecen mutuamente.

El color aparece como intensidad, ritmo y afirmación vital. Su presencia activa el espacio, genera pulsaciones emocionales y propone una lectura abierta, donde la experiencia sensorial es protagonista. En contraste, la obra en blanco y negro introduce una pausa necesaria: un campo de concentración visual donde la forma, la materia y el gesto adquieren un peso específico, despojados de lo accesorio.

Este diálogo no busca jerarquías. La monocromía no es ausencia, sino síntesis; el color no es exceso, sino construcción consciente. En su convivencia, las obras revelan cómo distintos lenguajes pueden compartir un mismo tiempo y un mismo espacio, activando lecturas cruzadas y nuevas posibilidades de percepción.Lenguajes en diálogo: color y monocromía invita al espectador a transitar entre la intensidad y el silencio, entre lo expansivo y lo esencial, entendiendo el contraste no como ruptura, sino como una forma de conversación profunda entre miradas, procesos y sensibilidades contemporáneas.

Solicita el catálogo de obra en: info@yurilopezkullins.com

La presente exposición reúne doce obras abstractas de Carlos Vidal (Chiapas, 1957), artista cuya práctica se ha desarrollado a partir de una investigación constante sobre los fundamentos del lenguaje pictórico. Formado en el ámbito académico mexicano y con una trayectoria consolidada en Europa, Vidal ha construido una obra donde la abstracción funciona como un campo de análisis visual más que como una renuncia a la representación.

Las piezas seleccionadas evidencian un interés sostenido por la estructura del plano, la relación entre forma y color, y la activación del espacio mediante tensiones compositivas precisas. La pintura se articula a partir de líneas contenidas, campos cromáticos equilibrados y vacíos deliberados que operan como elementos activos dentro de la composición. En este contexto, el color adquiere un valor estructural, organizando el ritmo interno de cada obra y generando desplazamientos perceptivos sutiles.

La abstracción en Carlos Vidal se plantea como un ejercicio de síntesis y depuración, donde cada elemento responde a una lógica interna rigurosa. El espacio pictórico se concibe como un campo de fuerzas en equilibrio, en el que la mirada del espectador es convocada a una lectura pausada y analítica.

Desde una perspectiva curatorial, esta muestra propone entender la obra abstracta de Vidal como una reflexión sobre la pintura en sí misma: sobre sus límites, sus posibilidades formales y su vigencia como medio de pensamiento visual en el contexto contemporáneo.

Catálogo PreVenta:

El arte es libertad

El Arte es para todos

Álvaro Sonson (España). Exposición individual para Orgullo Madrid/25 por Muestra-T para Galería Yuri López Kullins Madrid.

Descripción de la Exposición

Galería Yuri López Kullins presenta por primera vez en individual en Madrid, España, la obra de Rafael Cauduro, como parte de PHEspaña OFF 25. Rafael Cauduro: Detrás del Mural. En esta exposición fotográfica, se presenta el proceso creativo del artista mexicano Rafael Cauduro al realizar los murales en la Suprema Corte de Justicia de la Nación en México. A través de imágenes, bocetos y fragmentos de mural, se revela la inspiración y la reflexión del artista sobre la justicia y la ley. Los murales invitan a la reflexión sobre los desafíos y responsabilidades de la institución en la aplicación de la ley y la prevención de injusticias. La exposición ofrece una mirada única al proceso artístico y a la importancia de la justicia en la sociedad. Siendo parte de PHEspaña OFF 25 Rafael Cauduro (1950-2022) Nació en la Ciudad de México, estudió arquitectura y diseño industrial en la Universidad Iberoamericana. Inició su carrera trabajando como caricaturista en periódicos y revistas, pero su verdadera vocación surgió en el encuentro con el pincel y el lienzo. De manera autodidacta se enfocó al estudio, investigación y práctica de las artes plásticas, con un claro perfil innovador. Considerado uno de los artistas mexicanos más notables y propositivos de las últimas décadas. Desde caricaturas, dibujos, oleos, esculturas, vidrios, hasta enormes murales son parte de su obra. Su relevancia radica no solo en la estética que caracteriza sus creaciones, sino en las aportaciones hechas a la historia del arte mexicano en el uso de técnicas y materiales totalmente novedosos, además de ser considerado el último gran muralista del movimiento iniciado por José Vasconcelos hace 100 años. Su mural en la Suprema Corte de Justicia de la Nación, Siete crímenes mayores, ha marcado un hito por la audacia de su representatividad, algo que al día de hoy no ha sido igualado. En el aspecto formal, su obra contiene ricas texturas y, a menudo, la incorporación de objetos o trozos de materiales encontrados. No se limita al uso del óleo, pues incorpora materiales insólitos, como el polvo de ladrillos, y como soporte, metal, madera o vidrio. Además, su obra no está circunscrita al cuadrado o al rectángulo del lienzo, a menudo toma la forma de la pintura. Su pensamiento crítico añade un elemento muy importante a sus creaciones: el discurso plástico, clara representación de lo que una mente con inteligencia y sensibilidad percibe en su entorno físico y social, por ello, Rafael ha dejado una escuela en las nuevas generaciones de artistas. Sus cuadros forman parte de diversas colecciones privadas, en museos y galerías de todo el mundo. Ha participado en más de 84 exposiciones importantes en museos y galerias en México y varios países como USA, Venezuela, Francia, Bélgica, España, Cuba, Países Nórdicos, China, República de Salvador, San Juan de Puerto Rico. Realizó tresimportantes murales en CDMX, así como la escenografía de la Opera Salomé y del Ballet de Arizona “Fiesta de Día de Muertos”. Rafael Cauduro vivió y trabajó en Cuernavaca, Morelos; en 2014 recibió el Doctorado Honoris Causa de la Universidad del Estado de México; el Estado de Morelos le nombró Morelense de Excelencia, la máxima presea que otorga la entidad. En 2019 recibió la Medalla al Mérito en Artes en la disciplina de Artes Visuales. En diciembre de 2022 fallece a los 72 años de edad dejando un legado artístico invaluable.

Descarga el catálogo de obra gráfica, para obra en tela, metal y bronce favor de solicitarlo en nuestro correo:

https://ylk-48025904.hubspotpagebuilder.com/es/cat%C3%A1logo-cauduro-febrero-2025

Correo: info@yurilopezkullins.com

Jazzamoart es un pintor y escultor mexicano. Su trabajo visual se encuentra directamente vinculado a la música; pertenece a la generación de los cincuentas de la pintura mexicana, grupo posterior a La Generación de la Ruptura.

Nació el 28 de mayo de 1951 en Irapuato, Guanajuato. Con estudios en la Academia de San Carlos de 1969 a 1972, es considerado por Carlos Montemayor como el tercer gran artista de Guanajuato, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado.3 Su obra se encuentra íntimamente vinculada a la música, particularmente al jazz. En 1974 inventó y adoptó el seudónimo de Jazzamoart, inspirado en el jazz como género musical, en el amor como valor universal y en el arte como forma de vida. Trabaja con un lenguaje gestual en diversas técnicas como la pintura, el dibujo, la gráfica (serigrafía, grabado y litografía), la escultura (madera, bronce y piedra) y el performance.

Inventor de ruidos visuales, Jazzamoart trabaja por series y el ochenta por ciento de obra es creada en óleo sobre tela. Sus principales personajes son la Bebopera,4 mujer de farándula jazzera y antros nocturnos, y el saxofón como un fetiche eterno que como elemento principal, garabateado o simplemente sugerido aparece en gran parte de sus creaciones. Otras temáticas abordadas en su trayectoria son los desnudos, las cantinas, el fútbol, los toros y reinterpretaciones de algunas obras maestras de artistas europeos como Rembrandt5 y Diego Velázquez.

Yuri López Kullins Galería
Cd de México, Mx, Madrid, España
5516 98 5097