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Esos vagos que ves ahí

Esos vagos que ves ahí

Hay jóvenes que desde temprana edad tienen interés por los temas relativos al arte, combinan sus actividades recreativas y deportivas,  con las artísticas, es común verlos dibujando, pintando, coloreando, recortando o modelando plastilina, en esta etapa,  los padres suelen estar orgullosos con la creatividad de sus herederos, sin embargo al paso de los años, ese fervor del joven tiende a ser inhibido, la idea de que un hijo se dedique al arte, aterra y es cuando surgen las diferencias, porque cursar una carrera enfocada al arte, no puede ser tomado en serio, dedicarse al arte en como llenar álbumes de estampitas, un mero hobbie,  no faltarán argumentos como “de eso te vas a morir de hambre” “son unos inadaptados” “hay muchos vicios en esas área” “estudia una carrera seria” “primero gradúate de abogado y luego te dedicas al arte”  o como decía mi ex “te vas a volver igual de pandrosa”.   

En opinión de varios, ser artista implica tener una vida colmada de divagaciones sin compromiso, cero obligaciones y harta bohemia, casi casi, los expulsados, los anarquistas, los que no apetecen de entender las matemáticas,  ni la ciencia, ni las cosas relevantemente serias. 

Importante es distinguir entre las personas que desean ser artista de las que realmente tienen talento y disciplina para lograrlo, aunque se les siga tachando de ligeros, para éstos, no hay atajos, el estudio concienzudo es necesario, saben que el arte no se crea tan libre como románticamente se piensa, requiere infinidad de horas de práctica para dominar diversas técnicas así como  acumular mucho conocimiento no solo de matemáticas, también de anatomía, botánica, zoología, geografía, psicología, además de obligadas por la  propia de la carrera como dibujo, composición, teoría del color, técnicas pictóricas, materiales, historia del arte,museografía, curaduría, preservación y conservación, construcción audiovisual   y un sin fin de conocimiento adicionales incluso de tipo social para poder representar ideologías, movimientos o retratar momentos históricos. 

Por tanto estos remolones,  baquetones y desaliñados personajes  en realidad son los únicos aptos para darnos el alimento visual indispensable para nutrir el alma, gracias a que lograron entender, que por medio de las matemáticas,  pueden darnos una imagen armónica basada en la secuencia de Fibonacci o de la ubicación exacta del punto áureo, también han estudiado lo suficiente, para ofrecernos increíbles perspectivas o escorzos y determinar profundidad en una pintura, que a partir del salto cuántico de los artistas del renacimiento pasamos de ver obras planas a obras bidimensionales, ¿Cosa menor verdad?

Pues bien estos renegados pueden darnos espléndidas obras  capaces de transportarnos a escenarios vistos por sus ojos o por su imaginario que reinterpreta de la realidad,  sin necesidad de disminuirse con meras explicaciones, porque son capaces de aturdirnos y llevarnos al éxtasis con un simple carbón y papel.  

Yuri López Kullins 

Galerista 

México-España

Obra de José Antonio Farrera- Galería YLK
Mariano Fortuny
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Tres detalles que un artista no debe pasar por alto, mucho menos un coleccionista de arte.

1.- Generar identidad

Varios artistas pasan la mayoría de sus día pintando y pintando y pintando sin una planeación previa, pintar sin dirección o basado en un discurso conceptual no lo llevará a generar identidad de marca o firma, es decir una línea de trabajo que lo distinga del resto de los creadores de arte. Mantenerse saltando de un estilo a otro, impide que su obra pueda valorarse mejor al paso del tiempo.

Si estás generando una colección de arte, es preferible que optes por artistas que ya han depurado su disertación creativa.

2.- Acumulan obra sin sentido

Hay que observar que la saturación de piezas en el mercado del arte de un artista, puede deprimir el valor de su trabajo en general, es tan simple como observar incidencias en relación a oferta y demanda, producir sin una justificación creativa, puede afectar no solo el inventario del artista sino también a los valores colocados en colecciones privadas de arte.

3.- Exponer en foros inciertos.

Escalar en la trayectoria es un compromiso del artista hacia el y su propia obra, si no logra evolucionar en ese sentido, se arriesga a sostener el valor actual e incentiva la amenaza de disminuir el precio de su obra.

La expectativa de un artista es que evolucione, al hacerlo mejora y propicia que su trayectoria se proyecte a la alza en diversos sentidos.

Yuri López Kullins

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¿Cómo iniciar o acrecentar una colección de Arte?

No es de extrañar que a algunos coleccionistas de arte, no les agrada que sean considerados coleccionistas,  debido a que  para ellos la compra de arte se justifica únicamente en el deseo de poseer una pieza que les ha transmitido sensaciones positivas,  empero, hay quienes se auto-declaran coleccionistas de arte o bien como resultado de la cantidad y selección de piezas en su poder, en automático son incluidos en la categoría de  coleccionista,   probablemente la sutil diferencia sea una  manifestación declarada de el acto de adquirir arte contemplando la posibilidad de contar con cierta plusvalía al paso del tiempo, para los primeros esto no es una razón válida que motive la compra, para los segundos y casi con seguridad afirmo que es una de las variables de peso que se evalúan para decidir cuál es la pieza idónea de ser incluida en su su patrimonio. 

Por tanto, ¿Cuáles son los puntos eje para observar antes de seleccionar una pieza?,  aun cuando no  te reconozcas como coleccionista de arte, vale la pena observar algunos de ellos pues te ayudarán a tomar una mejor decisión:   

1.- Te gusta la obra y además el artista sostiene una revaloración en los últimos años con proyección continua ascendente. 

2- Has evaluado la obra, se percibe en etapa madura del artista. 

3.- El artista cuenta con algunas piezas dentro de una colección importante (significa que un conocedor ya ha hecho la evaluación por ti) 

4.- Asegúrate que no se trata de un artista calificado como efímero, de rapidísimo o inexplicable crecimiento, de lo contrario te arriesgas a comprar un arte que simplemente pasará de moda. 

5.- Se trata de un artista con una línea de trabajo completamente definida posiblemente ya considerado una firma.

Posiblemente optes por realizar la compra de forma directa, sin embargo acercarte a una galería bien establecida provee la tranquilidad de hacer una selección que cubra  tus intereses además de ser un respaldo para evitar riesgos a tu inversión.

Yuri López Kullins. Galerista

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(El País) El ‘monet’ que sacó Carmen Cervera del Thyssen el año pasado se expone en el Louvre de Abu Dabi

El cuadro pertenece ahora a una colección emiratí. La baronesa niega que haya vendido la pieza, que es idéntica en los detalles y hasta en el marco

Claude Monet reflejó su obsesión por la niebla en una serie de 37 pinturas del puente londinense de Charing Cross. Ahora, más de un siglo después, la niebla envuelve el viaje de uno de esos óleos hasta las salas del Louvre Abu Dhabi. La obra que se exhibe en el museo desde finales de 2020 es propiedad de un coleccionista privado emiratí, según destaca la nota de prensa en la que se anunció su exhibición a principios de este año. El viernes saltó la noticia, adelantada por elDiario.es, de que se trata en realidad de la versión que fue propiedad de Carmen Cervera, que lo sacó de España el año pasado con idea de venderlo.

Por la tarde, la coleccionista negó en conversación telefónica con EL PAÍS que se hubiera desecho de esa obra maestra. “Está en manos de un amigo, pero aún no sé qué haré con él”, explicó. El Louvre Abu Dhabi no desvela quién es el propietario del cuadro que exponen. Pero este domingo, este periódico ha podido comprobar en las salas del museo-franquicia, que la obra es idéntica en su composición y detalles al que colgaba en el Thyssen de Madrid. Hasta comparten marco. Los intentos de recabar una versión del centro de arte han sido hasta el momento infructuosos.

La versión del monet que está ahora en las salas del Louvre, que diseñó Jean Nouvel para la capital de Emiratos Árabes Unidos (EAU), forma parte de una muestra sobre maestros impresionistas del Museo de Orsay que, además de otras dos obras de Monet, incluye a Van Gogh, Degas, Renoir y Bonnard. Pero el Louvre Abu Dabi destaca sobre todas ellas El puente de Charing Cross, “préstamo de una colección privada de EAU”.

El monet de Cervera, datado en 1899 y por lo tanto uno de los primeros de la serie que Monet pintó hasta 1905, es uno de los cuatro cuadros de diversos autores que esta sacó del Thyssen el año pasado con intención de venderlos. Toda la atención se centró entonces en Mata Mua (Érase una vez), pintado por Paul Gauguin en 1892 y tasado en al menos 40 millones de euros. Junto a ellos también se llevó Caballos de carreras en un paisaje, de Edgar Degas, y El ‘Martha Mckeen’ de Wellfleet, de Edward Hopper.

La venta del monet que se expone ahora en el Louvre se hizo de forma privada (no en subasta) a través de un marchante en Abu Dabi. Eso dificulta saber el precio obtenido por la pintura. Un cuadro de la misma serie alcanzó los 27,6 millones de dólares (unos 23 millones de euros) en una subasta de Sotheby’s en Nueva York.

Significativamente, en la presentación de la exposición, el jefe del Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dabi, Mohamed Khalifa al Mubarak, destacó ese cuadro entre todos los demás. “Estamos orgullosos de mostrar esta pintura prestada por una colección privada del país, junto con obras de las colecciones de famosos museos franceses, y esperamos recibir visitantes locales e internacionales y darles la bienvenida en un entorno seguro para que descubran nuestra cultura y nuestro patrimonio”, declaró.

Enlace a la nota original

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QUINCE cosas que hacen los grandes maestros de la pintura y debes saber

*Dirigido a: Artistas y público en general.

1.- Aun cuando dominan varias técnicas y temas, se definen bajo una línea de trabajo que los identifica, difícilmente los verás realizando encargos fuera de los términos en que han definido su estilo. 

2.- La seguridad del trazo o pincelada es indiscutible, ya no se conmueven al realizar variaciones que no se apeguen a la …

Este y otros artículos están disponibles en Patreon, conviértete en patrocinador.

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Galerista a la mexicana.

Para algunas personas sigue siendo una intriga cómo rayos pude brincar el charco para establecer un negocio a casi 10,000 km de distancia de México sin poner un pie en territorio extranjero.

Cuando te suscribas:
*Te daré tips dentro del negocio del arte para que lo apliques a tu propia linea de trabajo.
*Leerás experiencias que tuve que pueden inspirar tu negocio, no  importa a lo que te dediques.
*Te diré algunos secretos de mi negocio que te ahorrarán años de trabajo sin resultados positivos
*Podrás consultar de forma indefinida algunos textos que ayudan a deshacerte de paradigmas nocivos en tu carrera
*Crecerás más rápido tu negocio, ¡Yo lo hice!
NO IMPORTA a qué te dediques puedes aplicarlo al giro de tu negocio.

*Te inspirarás con algunos pasajes de triunfos asi como de fracasos necesarios para crecer.
*Te diré que hacer y que no si eres artista emergente
*Eliminarás vicios ocultos en tu actividad diaria.
*Vas a mejorar en muchos aspectos en propia tu actividad
*Pero sobre todo te mostraré por todo lo que he pasado para llegar al punto en el que estoy.


Platicaré contigo de los momentos divertidos pero también de los días difíciles que he tenido que enfrentar al introducirme en un medio rancio, paradigmático y selectivo a la vez.
Fui inicialmente Promotora Cultural y en pocos años logré fundar mi primera galería en México, hoy tengo una hermosa galería en la ciudad de los palacios, la Cd de México además de otra con una magnífica ubicación justo en el corazón de Madrid.

¿Cómo lo desarrollé? ¿bajo que postura definí mi modelo de negocio? ¿Fue complejo el proceso? ¿Podrías aplicar un esquema similar a tu proyecto si comparto contigo mi conocimiento?

Pensar que todo ha sido miel sobre hojuelas es una falacia, te enterarás de los riesgos físico que he corrido al realizar esta “pacífica” “relajante” y “serena” actividad como galerísta de arte.

Suscríbete porque te estaré esperando para leer tus comentarios.
Att.
Yuri López Kullins

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Juan Sebastián Barbera

Galería Yuri López Kullins *México-España *Disponible

Juan Sebastián Barbera (México D.F. 1964), ha realizado más de 60 exposiciones individuales en México, Europa, Estados Unidos y Asia, en un periodo de más de 33 años de carrera artística, hasta el 2015.
Editado en 1994 por el taller de gráfica Polígrafa de Barcelona con la serie los conjuros.
Ganador del concurso “Juguete arte objeto” en México, en 1995.
Participante en el proyecto internacional “Periolibros e Iberoamérica pinta” del Fondo de Cultura Económica y la UNESCO, ilustrando la obra del premio Nobel de Literatura José Saramago en 1998.
El Ministerio de Cultura de España otorga el premio al Mejor libro de arte con el titulo “JUAN SEBASTIAN Historias pintadas y cuentos de amor” en 2008 de Lunwerg editores.

Su obra en distintas técnicas se encuentra actualmente en fundaciones, colecciones públicas y privadas de gran prestigio, en distintos países del mundo, entre las que se encuentra la Casa Real de España

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Trascendental Exposición de Arte

Galería Yuri López Kullins . Ciudad de México*Madrid

Recorrido virtual. info@yurilopezkullins.com

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Beca Talento joven 2017

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Beca de apoyo a jóvenes creadores en el área de arte visual 2017

Yuri López Kullins Promotora de Arte lanza Convocatoria a jóvenes creadores para lograr una BECA PARA PROMOCIÓN DE SU TRABAJO durante un año.

Se convoca a jóvenes creadores en artes visuales a enviar su solicitud para participar en el otorgamiento de una beca de servicios promocionales de su obra durante un año a transcurrir en el 2017, dentro del sistema que general YLK Promotora de Arte en sus instalaciones ubicadas en la Cd de México y Madrid, España, incorporándolos profesionalmente a la participación formal de exhibición de su obra dentro de la YLK Galería.

Participan:

Jóvenes mexicanos en ambos sexos,estudiantes o recién egresados de la carrera de arte  visual, artes plásticas o afines a nivel nacional, en edad máxima de 30 años, enfocado hacia el arte experimental o géneros de nueva creación.

Jóvenes convencidos de una búsqueda de nuevas formas de expresión, bajo un sustento académico y comprometidos con su desarrollo profesional.

Número de becas:

Una

Involucra:

Todas las disciplinas del arte visual bajo un concepto de generación de nuevos esquemas de resolución de la producción del arte.

Arte que explora, experimenta y propone.

Recepción de material de candidatos:

Del  7 de Enero  2017 al 29 de enero 2017  en info@yurilopezkullins.com  enviar imágenes en jpg con sus datos técnicos por separado acompañados de  una breve descripción del trabajo y semblanza corta del autor.

La participación no conlleva a costo alguno por parte del interesado ni genera pago de ningún tipo de servicios o materiales por parte de YLK Promotora de Arte hacias los solicitantes ni acreedor a la beca.

Resolución de resultados y aviso de ganadores:

Febrero 18, 2017  a través de nuestras redes sociales.

Periodo de Beca de Promoción:

Del 01 de Febrero 2017 al 30 de Enero 2018

Yuri López Kullins Promotora de Arte

Av Baja California 349 Condesa, Cd de México

info@yurilopezkullins.com

PD.- En virtud de que a los medios de difusión no les interesa hacer divulgación de los temas relacionados con el arte o más aún con los temas relacionados con artistas sin trayectoria, no esperamos nos concedan participación en sus espacios, por ende, se solicita la divulgación vía redes sociales personales de quienes deseen compartir esta iniciativa.

Agradeciendo de antemano su generosidad.

YLK

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Tres Pasos Básicos para un Artista Plástico

 

 

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Por más que nos esforcemos por encontrar una fórmula mágica que nos indique  la mezcla perfecta de acciones para lograr el éxito en el negocio del arte te aseguro que no la encontraremos, esto simplemente porque no existe.

Estamos sujetos a infinidad de variables: Los factores externos, las condiciones del creador, la mentalidad del coleccionista, la situación económica de tu entorno, etc, etc, etc. Lo que funciona para unos difícilmente aplica para otros, nada es tan cierto como que cada creador debe encontrar su propio esquema para avanzar hacia esa deseada pendiente en ascenso. En esta prueba de nada te servirá copiar las respuestas al de al lado porque tus preguntas son completamente distintas, si produces arte tradicional tu nicho de mercado es distinto al de un productor en arte contemporáneo por darte un vago ejemplo.

Entonces ¿qué hacer para no estancarte? o mejor aún, para no seguir los patrones de otros artistas pensando que replicar su estrategia te va a generar resultados positivos.

Existen siempre tres básicos entre muchos otros que obligadamente debes incorporar a tu desarrollo como productor para abrirte una ruta sólida en el negocio del arte.

1.- Genera una Identidad Propia

Defínete como artista en determinado estilo, corriente, línea o disciplina.

Una importante forma de destacar es que el espectador pueda ubicar claramente cuál es tu linea de trabajo, es decir tener personalidad propia reflejada en tu obra.

Cuando tu trabajo se confunde con el de otros no sólo te ves como un imitador más, te ves carente de creatividad y como un roba talento. Esto empeora exponencialmente si tu obra asemeja a la de otro artista mucho más reconocido que tú

Si te atreves a hacer un trabajo que conlleve una propuesta novedosa te aseguro que podrás ganar mucho más reconocimiento, respeto y espectadores, lo que resultará en buenos frutos comerciales (y que no me salgan con que lo suyo no es vivir del arte) e incluso imitadores, SÍ, si eso ocurre alégrate estás logrando mucho.

2.- Ten una Política de Precios

Un factor que marca la madurez de un artista es la estabilidad en el valor de su obra, Una obra que se valúa en constante ascenso es mejor que una obra que se muestra incierta.

El precio no puede fluctuar por la urgencia de vender, el regateo o la idea errática de “vender a precio taller”.

Una obra en determinado tamaño, estilo y técnica debe ser consistente en precio independientemente de el lugar donde se comercialice.

Nunca he visto que una iPad tenga un precio distinto si lo compras en una tienda “nice” a si lo haces en una de menor nivel. ¿Por qué? Porque hay una política de precios clara que da una garantía de inversión a su comprador.

No confundas ser flexible dentro de una negociación con dar diferentes precios de tu misma obra.

3.- Promueve tu Arte

Discúlpenme, pero en estos tiempos es imperdonable que un artista no esté haciéndose presente en los diversos medios que la contemporaneidad ofrece. Hace unos años los artistas podían permitirse ese pensamiento idealista (que tajantemente desapruebo) de que un cazatalentos llegara a tocar a su puerta para hacerlos saltar a la fama.

Hoy más que nunca aplica “el que se duerme se lo lleva la corriente” si al día de hoy no has logrado posicionar tu nombre en el medio, ¡OJO! Empieza a mostrarte o no existes ni existirás. Hay muchas herramientas que cada vez son más accesibles para promocionar tu arte, y si crees que no es lo tuyo acércate a un especialista en la materia y da el primer paso.

Siempre habrá muchas cosas por incorporar a tu estrategia de negocio, sin embargo te sugiero que empieces ya por la que más te hagan reflexionar.

Galería Yuri López Kullins ofrece servicios de promoción, exhibición y venta de arte. Atrévete a impulsar tu carrera en la dirección adecuada. Para más informes contáctanos  o agenda una cita para cualquiera de nuestras galerías en Madrid o Ciudad de México a info@yurilopezkullins.com

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Va de nuevo ¿Qué hace un Promotor de Arte?

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Va de nuevo, para quienes están acostumbrados a los sistemas tradicionales de “venta de obra”:
 
¿Qué es la Promoción en el Arte?
 
La promoción de un artista y de su obra provoca que a corto, mediano y largo plazo mejore la calidad de sus ventas y posicione su nombre como firma; un artista que  logra posicionarse  tendrá una participación sólida en el mercado del arte, esto claro en el supuesto de que la obra ofrezca estándares estéticos confiables, si lo que tu produces no tiene la capacidad de superar a tus colegas ni de mediana trayectoria entonces estas “frito”
 
Cuando escucho o leo que un artista sueña que va a venir un “todo poderoso” vendedor de obras y hacedor de milagros a vender toda su producción, me doy cuenta que aun creemos en Los Reyes Magos.
 
Te lo voy a decir muy claro:
Si no te promueves, podrás vender esporádicamente en tu mercado primario al cual saturarás en dos segundos, pero no vas a vender de forma sistemática a largo plazo a menos que te hayan pasado entre 30 y 50 años de carrera y te hayas aplicado en buscar mercados secundarios.
 
Discúlpenme pero los Art Dealers milagrosos existen como existen Santa Claus y Los Reyes Magos.
Como diría mi abuelita “si no son tlacoyos mijita para venderse por docena”
 
Y por si aún no te ha caído el ” 20″ las ventas de arte se expresan en volúmenes de ventas (billetes) no en número de piezas vendidas, por lo cual te lo platico al oído: Si no te enfocas a mejorar la calidad de tus ventas antes que al volumen de tus ventas, no sé como lograrás mantenerte a flote.
Te comparto la publicación de una Revista muy recomendable como es Fahrenheit Magazine para que mejor vayas planificando en lugar de seguir esperando a tu Art Dealer milagroso.
Yuri López Kullins Promotora de Arte
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