Tomando en cuenta los siglos de historia en el arte que nos preceden sería ocioso querer obtener un recuento de artistas u obras de arte realizadas hasta nuestros días, la lista se asume infinita considerando que continuamente se incorporan nuevos creadores en el negocio de las artes visuales.
Es así que como consecuencia la disponibilidad de espacios de exposición son inversamente proporcionales al crecimiento de dicho talento productivo, los museos y principales galerías del mundo contemplan la participación de los más destacados artistas a nivel internacional, algunos de estos espacios prácticamente solo llevan a cabo actividades con la obra de “muertos” generando homenajes, retrospectivas y muestras que recorren el mundo.
La disyuntiva entonces para una galería de arte es presentar la obra de quienes ya tienen un lugar en la historia o proponer nuevas alternativas visuales, por supuesto hay quienes optan por un camino más seguro exponiendo en su mayoría “firmas” es decir obra de autores que podemos reconocer con facilidad aun cuando la tendencia actual es abrir espacios o dar cabida al arte de vanguardia.
Particularmente en Yuri López Kullins Galería nuestra filosofía se basa entre otros puntos en enfatizar la producción de artistas en activo o “artistas vivos” , sí, esos artistas que aún se encuentran enfrentando cotidianamente los procesos creativos, pertenecientes a nuevas generaciones o a generaciones que están logrando cosechar el éxito después de años de evolución.
Lo anterior como preludio a la siguiente nota que llamó mi interés:
Recién me encuentro este artículo en la red provocando no solo reflexiones acerca del estilo de vida de un artista, sino recordando casos reales de artistas que enfrentan de todo para sobrevivir en un medio demeritado ante los ojos de los demás, esa terrible carrera hacia el éxito y sus inevitables momentos de crisis al no tener claridad de que se pueda vivir bien cuando te dedicas al arte.
¿Cuántas veces no has escuchado (o dicho) ? ¿Eres pintor? que lindo hobby tienes ¿pero en qué trabajas? o el típico nooo ¿a poco solo te dedicas a pintar? o Mira hijo, si quieres ser artista está bien, pero tienes que estudiar una carrera en serio porque de pintor te vas a morir de hambre.
Cierto, ser artista de las artes visuales convierte al éxito en un verdadero reto profesional, no solo hay que nacer talentoso, hay que disciplinarse, investigar, practicar, pensar y planear lo suficiente para lograr convencerte primero a ti mismo que no serás uno más de la colectiva, para luego conquistar a los demás.
De entrada pocas personas reconocen al arte como una profesión sino como un oficio, el propio artista al referirse a trabajos con calidad usa el termino “hay oficio” o ” se nota el oficio” quizás en un tiempo los artistas se formaron en talleres de grandes maestros y aprendieron un oficio, pero hoy en día nos enfrentamos a profesionales que cuentan con una carrera universitaria e incluso maestría, los más, egresados de carreras en arte, otros provenientes de carreras que se relacionan con la estética como Arquitectura o Diseño sin omitir a quien de forma autodidacta logran la maestría por su dominio de las técnicas y el peso de su propuesta.
No es fácil para los ajenos al arte entender que los momentos de inactividad con el lápiz o el pincel no son momentos de ocio de un artista, son parte de una planeación, una obra puede realizarse en un promedio de tres semanas pero tuvo que pasar por otras tantas para la concepción no matérica de la pieza o serie, luego entonces serán capaces de realizar un boceto, hacer un estudio de color, definir materiales y soporte para poder llevar todo ese engendro al plano tangible, por si fuera poco, el arte no se forza, el arte “fluye solo cuando fluye” no cuando el artista lo disponga, claro que la madurez del artista permite ser consistente pero el buen trazo no “sale” de la nada ni en todo momento, al igual que un músico o un escritor generan conceptos mentales de los que en su momento se podrá realizar un registro físico (partitura, boceto, guión).
Finalmente pregunto ¿es posible el bien vivir dentro del arte? la respuesta contundente es: SÍ, al igual que otras profesiones el artista recién egresado debe no solo dedicarse a prosperar en sus conocimientos y habilidades sino también a definirse dentro de un estilo y promoverse hacia un nicho acorde a su producción, no son tiempos de mecenas ni cazatalentos, hay que salir a la luz, mostrarse, exhibirse y retroalimentarse, es tiempo de dejar esos clichés de “artista bohemio y pobretón” los artistas son PROFESIONALES que aspiran al reconocimiento social pero también al reconocimiento económico.
No esperes que tu mujer te deje por otro que gane más que tu, no esperes a que tu esposo te eche en cara que tu hobby en la pintura le está costando caro para encontrar ese detonador que te hará triunfar. ¿O si?
Que disfrutes el siguiente articulo por el cual he dedicado estas lineas para ti:
Trayendo a la memoria la “recientemente frase célebre” de reconocida marca que el no menos famoso Stalone pronunciara dando con ello un contundente “gancho al hígado” dentro del ámbito publicitario: Te hace falta ver más box , volteamos a ver que quizás el cuadrilátero y la actuación han quedado un tanto atrás cuando la nueva afición de Rocky no está relacionada con los guantes sino con los pinceles, sorprendiendo a más de uno por no dejarlo en la categoría de hobby sino haciéndolo de forma profesional al grado de ser presentado por importantes recintos culturales como el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de Niza; esto me hace reflexionar por un lado sobre la tan competida carrera que los artistas de academia, quiero decir los egresados de las escuelas de arte y porque no, también de los autodidactas que sí se tomar en serio el oficio, tornándola cada vez más exigente y demandante reafirmando que sólo los mejores van a lograr pasar por el tamiz; por otro lado la comprobación que en el arte los contactos son tan importantes como las capacidades técnicas y creativas de los pintores, aunque lo que hasta el día de hoy he visto por medio de imágenes y algunas publicaciones sobre la producción pictórica de Silvester Stalone es que se ha esmerado en no pasarla solo por aprendiz de pintor sino como alguien tiene interés en hacer algo digno dentro de sus limitaciones, para acabar pronto y sin querer elogiar lo que no es, lo que veo en este actor-pintor es más corazón y compromiso que en algunos artistas egresados de la carrera a nivel universitario, más aún de algunos que con todo y maestría siguen imitando a los grandes del renacimiento o a los boom del momento.
¿Será cuestión de moda o en verdad veremos a Stalone colado dentro de las más importantes casas de subasta?
Por lo pronto te digo que: “Te hace falta comprar más arte”
¿Qué es PRECIO-MERCADO?
Es el precio que tiene una obra de arte cuando la variación de sus precios se encuentra en un rango controlado, por ende se asume que hay estabilidad.
Esto se traduce en lo siguiente, por un lado el precio se mantiene estable porque hay coleccionistas dispuestos a pagaruna cantidad similar por una pieza en características parecidas, independientemente de la locación en la que se realiza la negociación, un autor sólido en el mercado tiene un valor semejante ya sea en una galería, en la posesión de un coleccionista, en una transacción por medio de un art dealer o en el taller del propio autor por mencionar algunas de las alternativas, por otro lado se suma la valía que tiene la obra por razones de firma, trayectoria y solvencia creativa de su ejecutor.
El precio de la obra no cambia al involucrar un intermediario porque las comisiones, impuestos, gastos de representación, logística, etc. están implícitos en la transacción, así mismo cuando el artista vende directamente su obra, se reserva las comisiones que se omitieron al no existir intermediario que las reclame.
Algunos artistas confunden precio-mercado con precio-taller y a éste último le aumentan un porcentaje para generar un tercer precio que es el “precio-galería” provocando que sea el comprador quien acaba pagando una sobre tasa e interpretando que si compra directo con el artista se “ahorra” la comisión.
Que decepcionante puede ser para un coleccionista haber pagado $50,000 ò $100,000 por una obra de arte y encontrase que es el propio artista quien devalúa en un 30 o 40% cuando se lo compras directo, me pregunto entonces ¿cuál es el valor real de la pieza?
Los artistas sólidos saben que si venden directo una pieza por $100,000 esa pieza igualmente vale $100,000 en una galería en NY ,Shanghái, Feria de Arte o en un local de San Ángel.
Los artistas sólidos también saben que si venden una pieza de forma directa no tienen que ceder comisiones a ningún intermediario. Los artistas sólidos pueden optar por hacer sus ventas ellos mismos por medio de su propia estructura organizacional o bien conceder la venta de su obra a terceros y estar claros de que hay comisiones previamente negociadas e incluidas en el precio-mercado, QUE NUNCA será el comprador a quien se le aumente la comisión para pagarle a dicho intermediario.
¿Acaso Audi, Levis,Apple, Gucci, Prada te ofrecen rebajarte una comisión si vas a compra directo en fábrica?
En primera instancia es el artista quien debe custodiar y defender el valor de su obra a largo plazo, porque al tiempo está cuidando los intereses de su coleccionista, no ceder ante falsas premisas de venderse barato para asegurar la venta, el comprador desea ser dueño de una obra de arte que gane su admiración y esté acorde a su presupuesto, lo último que desea es llevarse a casa una “baratija”, un saldo o una pieza de remate.
Nosotros tenemos negociada una comisión discreta con el fin de no lesionar los intereses económicos del artista, mucho menos del comprador. En el negocio del arte existen tres eslabones que pueden aliase en pro de un beneficio común, aunque aquí entre nos, quien debe ganar siempre es el coleccionista, por el simple derecho a contemplar una pieza ilimitadamente.
De lo que más se puede agradecer al Instituto Nacional de Bellas Artes en México , un evento imperdible:
México reúne a dos genios: Leonardo da Vinci y Miguel Ángel
El Museo del Palacio de Bellas Artes albergará dos magnas muestras de las más importantes en la historia del recinto.
“Leonardo da Vinci y la idea de la belleza” y “Miguel Ángel Bounarroti. Un artista entre dos mundos”, se inauguran el próximo 26 de junio.
1.- ¿Dentro de qué género podemos identificar tu obra?
Dentro de la corriente abstracta
2.-¿Por qué eres artista?
Desde niña tuve una fascinación por el arte, me gustaba observar la naturaleza, sus colores el cielo, las estrellas, y descubrí que en la pintura podía crear pensamientos e idea; y hasta la actualidad tengo la misma sensación cuando estoy creando un cuadro. En sí soy artista porque me gusta traducir la belleza del mundo en un lienzo.
3.- ¿Cuál es el momento en el que te reconoces como un artista?
Cuando descubro que tengo una necesidad de plasmar todas las ideas creativas que tengo.
4.- ¿Cuál es el elemento focal en tu obra?
El manejo del color, aunque predomina el azul; me apoyo en los contrastes de color para expresar un concepto.
Flores invernales | Acrylic on Wood | 15.8 x 20.7 cm
5.-¿Crees que tu obra es más de lo mismo o en qué radica esa diferencia?
Considero mi obra única ya que la realizo completamente desde mi interior sin influenciarme en las corrientes que puedan existir en este momento.
6.-¿Tu obra es reflexiva o intuitiva?
En cuanto a la planeación del cuadro podría calificarlo de reflexivo, me baso en un tema específico, creó mentalmente el concepto de lo que voy a plasmar, básicamente realizo el cuadro mentalmente antes de pintarlo. Pero en el momento en que estoy materializando la obra me dejo guiar por la intuición y el sentimiento y voy transformando el cuadro como considere que puedo expresar mejor lo que pretendo.
7.- ¿En qué se basa tu proceso creativo y qué nos aporta la narrativa de tu obra?
Mi proceso creativo es variado, puedo inspirarme en un tema que me interese como es la astronomía, la arquitectura, la espiritualidad, la naturaleza o bien muchas veces me llega una idea a la mente y lo materializo, no hago bocetos ya que me gusta la emoción que ejerce en mí el momento de estar delante del lienzo y mis pinturas. Trato de crear una unión entre arte, ciencia, naturaleza e iluminación interior.
Mi proceso creativo es variado, puedo inspirarme en un tema que me interese, o bien muchas veces me llega una idea a la mente y lo materializo.
8.- ¿El arte te da vida o vives para el arte?
El arte me da vida, me da energía y alegría; hace que tenga cada vez mas creatividad y más sueños, me hace crecer.
9.- Hablando de arte ¿el individuo por encima del colectivo?
Creo que esto se trata de hacer lo que a uno le plazca, si trabajar solo es lo más indicado para ti, eso está bien, si por el contrario quieres experimentar, apoyarte, enriquecerte, compartir la creación con otras personas entonces también está perfecto. En lo personal me gusta trabajar sola, buscar mis fuentes propias de inspiración y experimentación, pero no descarto que en alguna obra pueda trabajar en coautoría con otros artistas.
10.- ¿En el arte las reglas se siguen o se rompen?
En el arte hay que hacer lo que uno sienta, seguir a veces las reglas y romperlas más; encontrar su propia identidad eso es lo importante.
11.- ¿En qué radica el éxito de un artista?
En pintar, pintar y pintar, dibujar, viajar, observar, trabajar para que seas conocido, buscar oportunidades en el mundo del arte, saberse vender y encontrar a las personas adecuadas que manejen tu obra.
12.- ¿Cuál es tu visión del arte en el México de hoy?
Creo que hay mucho talento, es una tierra de arte y cultura desde siempre y eso se ve reflejado en el genio de tantos artistas. Pero el camino es difícil ya que no es fácil vivir del arte y los coleccionistas de arte son pocos y la economía no ayuda. Pero sin duda creo que el arte Mexicano cada vez será más reconocido dentro y fuera del país.
Atziri Pérez Galindo Baile de los dragones Mixta sobre madera 36 x 58 cm
La obra de Atziri Pérez Galindo se encuentra disponible en Yuri López Kullins Galería, para ver más piezas del artista visita su perfil en nuestra galería haciendo click aquí.
¿Ya conocías la obra de Atziri Pérez Galindo, qué opinas de su obra?
Te invitamos a responder en los comentarios para que nosotros y todos nuestros lectores conozcamos tu opinión.
Yuri López Kullins Galería
Av Baja California 349 Condesa, Cd de México
yurilopezkullins@gmail.com
5516 98 509
Hochschild (licenciada en diseño publicitario, Ciudad de México). Estudió ilustración artística (Claustro de Sor Juana), figura humana en el taller de Aceves Navarro, técnicas de dibujo y pintura en la Escola d´Arts Aplicades i d’Óficis Artistics , Llotja, y en la Escola d’Árts y d’Óficis (Barcelona) y técnicas mixtas en el taller de Fuego y Óxidos durante tres años con el maestro Victor Ceprían (Madrid). Actualmente se ha establecido en la Ciudad de México. Su obra ha sido expuesta en Europa, Asía y América (Art Madrid “012, Art Innsbruck, Art Expo New York, Salón de Otoño Barcelona, Art Beijing, Carrusel du Louvre, entre otros). Exposiciones individuales en el Museo José Martí (2005, Ciudad México) y Ac Gallery (2011, 2013, Madrid).
Yuri López Kullins Promotora Cultural
Para adquisición de su obra: info@yuriloezkullins.com
Te esperamos en nuestra próxima inauguración, el viernes 29 de mayo 2015 a las 19:00 hrs
Participan Pintores, Escultores, Fotógrafos, Dibujantes, Grabadores de diversos países de América Latina y Península Ibérica.
Entrada libre cóctel de honor
Yuri López Kulins Galería
Av Baja California 349 Condesa, Cd de México
I have been a photographer since the late 1960’s and for about eight years was one of the featured Gallery Artists at the Elaine Fleck Gallery in Toronto, Ontario, Canada. During that time I had a number of shows and participated in gallery sponsored group shows
I have also had work in two shows in Los Angeles at The Perfect Exposure Gallery. This is an annual show called Aesthetics and features about 45 photographers. I also had an evening hosted by the gallery where I met with many Canadians abroad and got to discuss my work. Recently, one of my images was chosen for a show there, “The Top 100 Images of the Year.”
In November 2010, I moved to Mexico City and will live there for the next three to four years — though I will continue to shoot in both Toronto and LA. I am currently putting together material for a show in Mexico City that will feature many images from my Archimedes Project and my collection of ‘found collages’ on telephone poles. Almost all of the images in these two pages are “found art” They are not created then photographed, nor are they, with rare exceptions, made up of several images that have been combined. simply, they are what my eye sees when I hold my camera to it.
Inauguración de la exposición colectiva
Yuri López Kullins. Galería de Arte en México y España 