En esta exposición se reúnen varios artistas que tratan el mundo onírico y el territorio de un modo emocional y experimental. Estableciendo un diálogo entre los diferentes mundos internos de los artistas, se genera la unión de los imaginarios, los territoriales y los abiertos a la interpretación del espectador.
El conjunto de las obras, a pesar de ser un universo individual de cada artista, busca la reinterpretación del espectador formando un vínculo más íntimo, creando su propio cosmos para despertar una sensibilidad a través de las propuestas artísticas.
Para comprender mejor la selección de las piezas, se debe diferenciar dos tipos de mundos: el interno y el externo. El interno como manifestación de su identidad y el externo como una alusión de una huella ancestral articulada con la visión del artista.
La disposición de las obras sumerge al visitante en un recorrido visual que transita por diversas técnicas, desde pinturas más abstractas hasta figurativas, complementadas por esculturas en bronce. En el recorrido, los distintos colores vibrantes se fusionan, entrelazando las creaciones a través de una escala cromática predefinida.
La exposición invita al público a explorar un intercambio de perspectivas visuales entre el mundo interno y externo, propiciando una introspección personal que dialoga con las emociones propias y las del artista.
Gabriela Rosado nació en la Cuidad de México en 1966. Con formación de bailarina clásica inicia su vida profesional como actriz en la compañía internacional Theater Frederik de Bélgica, fueron las artes escénicas las que abrieron las puertas de la creación, pero las Bellas Artes las que le llevaron a graduarse en 1990 en La Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes. Desde 1998 ha vivido en Portugal y España siendo Madrid su ciudad de Ha expuesto ininterrumpidamente en espacios privados y públicos (15 exposiciones individuales, 60 colectivas) en EEUU, Suiza, Francia, Mónaco, España. Destacan individualmente MACAY Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán, Méx. y MAQRO Museo de Arte de Querétaro, Méx. donde su obra forma parte de la colección. ICME instituto Cultural de México en España. FEMACO Feria México Arte Contemporáneo. Fue seleccionada en la V Bienal de dibujo Diego Rivera Méx. Su búsqueda a través de un lenguaje pictórico que le identifica, le ha llevado a experimentar diferentes alternativas en técnicas y lenguajes. En obras recientes, consigue una extraña riqueza de texturas y transparencias sin usar pinceles o brochas de la manera convencional. Valiéndose de aspersores, técnicas salpicado y enmascarado, Gabriela es una creadora no solo de emociones sino de nuevas recetas de la cocina/laboratorio del quehacer del arte de vanguardia
Alberto Castro Leñero (Ciudad de México, 1951) es un artista plástico mexicano.
Estudió Artes Visuales en la Academia de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México. Realizó estudios de pintura en la Accademia delle Belle Arti en Bologna Italia. Fue maestro de Experimentación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Actualmente imparte talleres y cursos de pintura, creación plástica y experimentación visual en escuelas de arte y diferentes espacios culturales de México. Desde finales de la década de los setenta, exhibe regularmente su trabajo plástico en museos, galerías y espacios culturales, como: la muestra individual en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México en 1982. Ha expuesto individualmente en dos ocasiones en el museo del Palacio de Bellas Artes en 1987 y 1999. En 2002, expuso en el Museo de la Ciudad de México. En 2016 presentó la exposición individual, Sistemas Transitables en el Museo Universitario de Ciencias y Arte de la UNAM y en 2017 Bosque Lineal en el Museo de Artes e Historia de Guanajuato. Ha exhibido su obra plástica internacionalmente en museos y espacio culturales como la exposición Escala en la Embajada de México en Berlín en 2017 o la muestra Transformación en el Museo de la Ciudad de Quito, Ecuador. Ha participado con obra plástica en espacios urbanos como el conjunto de murales en cerámica Elementos, que realizó en la estación del Metro Taxqueña. En 2019, la exposición Selva en el Metro de la Ciudad de México y 21 Transformables, en 2021 en este mismo espacio, Metro Zócalo, en el centro de la Ciudad de México.
A lo largo de cuatro décadas de trabajo artístico, Alberto Castro Leñero ha incursionado en diversas posibilidades expresivas y conceptuales mediante la pintura, la escultura, el grabado y, recientemente, el video. Siempre en constante renovación, a través de su obra plástica, por sí sola o aplicada a proyectos arquitectónicos y urbanísticos, ha explorado desde la violencia y el entorno urbano el paisaje, la figura humana y la representación abstracta. Su desplazamiento entre distintos lenguajes le ha permitido la construcción de un estilo propio que da estructura y coherencia a su creación.
En los últimos años ha incorporado a su producción propuestas de arquitectura y urbanismo para realizar pabellones transitables.
Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA.
Artista plástico contemporáneo egresado de la licenciatura en diseño gráfico por la Universidad Iberoamericana en la ciudad de Tijuana, Baja California, México.
Su pasión por el arte, la fotografía y la naturaleza, acumulada desde su niñez, despertó en él un ojo mágico que se traduce en una mezcla de las bellas artes y que da vida a un mundo fascinante en cada una de sus obras. Su obra, con un sello muy particular, ya es reconocida en el ámbito internacional por la crítica especializada. La fuente de su inspiración son los orígenes de la humanidad. Busca reflejar la armonía del ser humano y la naturaleza a través de la belleza ponderosa de las plantas, flores, barro, y los materiales orgánicos que el artista entrevera con la sensualidad de la figura humana. Milló construye composiciones complejas en las que la pintura, la escultura y los juegos de luces y sombras se amalgaman para crear atmósferas sutiles y poéticas. En sus imágenes el ser humano es metáfora de la tierra fértil de donde brota la vida; una vida desbordante, plena palpitante…
Miguel Milló es uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo en México. Sus principales exposiciones en 2013 fueron en Casa Lamm, en la Ciudad de México; Galería Lois Lambert en la ciudad de Los Ángeles CA. Así como en Nueva York, donde fue parte de la colectiva internacional “THE STORY OF THE CREATIVE”; y Galería Chacón, San Miguel de Allende, México. Así mismo, se presentó en “The Affordable Art Fair México” y con un mosaico en “Design House” dentro del evento “Design Week México”.
Este mismo año expuso en la casa de México “Benemérito de las Américas” en la Habana Cuba donde realizó la donación de una de sus obras para el acervo cultural del país.
En 2014 fue seleccionado por el gobierno de México para conmemorar los cuarenta años de relaciones diplomáticas entre Malasia y México; su obra se expuso en la Universidad Taylors de ese país, posteriormente en la Universidad La Salle, en Filipinas, y en la oficina de México en Taiwán. Su colección Orígenes se expuso en museos del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en el norte de México.
Casa Lamm lo incluyó en la colección conmemorativa de su XX aniversario y en la edición del libro Artistas de Casa Lamm. También ha expuesto en el Museo de la Cancillería y el Edificio de la Secretaría de Relaciones Exteriores.
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Miguel Milló (Tijuana, Mexico, 1959)
A contemporary visual artist, Miguel Milló holds a degree in Graphic Design from the Universidad Iberoamericana in Tijuana, Baja California, Mexico.
His lifelong passion for art, photography, and nature—nurtured since childhood—has shaped a unique artistic vision that blends the fine arts into captivating and evocative compositions. His work, marked by a distinctive style, has garnered international recognition and acclaim from art critics. Rooted in the origins of humankind, his inspiration seeks to reflect the harmony between humanity and nature through the powerful beauty of plants, flowers, clay, and organic materials, which he intertwines with the sensuality of the human figure. Milló creates complex compositions in which painting, sculpture, and the interplay of light and shadow merge to form subtle and poetic atmospheres. In his imagery, the human body becomes a metaphor for fertile earth—from which life springs forth in abundance, vibrant and pulsing.
Miguel Milló is considered one of the leading figures in contemporary Mexican art. In 2013, he held major exhibitions at Casa Lamm in Mexico City; the Lois Lambert Gallery in Los Angeles, CA; and in New York, where he took part in the international group show The Story of the Creative. He also exhibited at Galería Chacón in San Miguel de Allende, Mexico, participated in The Affordable Art Fair Mexico, and presented a mosaic installation at Design House as part of Design Week Mexico.
That same year, he exhibited at Casa de México “Benemérito de las Américas” in Havana, Cuba, where he donated one of his works to the country’s cultural collection.
In 2014, he was selected by the Mexican government to commemorate forty years of diplomatic relations between Malaysia and Mexico. His work was exhibited at Taylors University in Malaysia, later at La Salle University in the Philippines, and at the Mexican representative office in Taiwan. His Orígenes collection was also showcased in museums of the National Institute of Fine Arts (INBA) in northern Mexico.
Casa Lamm included him in its commemorative collection for its 20th anniversary and featured him in the book Artistas de Casa Lamm. He has also exhibited at the Museo de la Cancillería and the Secretariat of Foreign Affairs building.
Vladimir Cora (Nayarit, México, 1951) Su formación artística inició en la Escuela de Pintura y Escultura en Tijuana y en la Escuela “La Esmeralda” del Instituto Nacional de Bellas Artes. Vladimir, seguro de su don plástico y en el poder de sus pinceles es que logra formar parte de los artistas más importantes de nuestro país siendo maestro del dibujo, pintura y escultura. Dentro de sus éxitos además de su arte, cuenta con una mención honorífica por la Primera Bienal de Rufino Tamayo en Oaxaca y el Gran Premio de Confraternidad de Cuatro Culturas en la Primera Bienal de Pintura Iberoamericana del Instituto Andino de Artes Populares, en Miami, Estados Unidos, todo esto prueba de su exorbitante desarrollo plástico, sin mencionar las muchas exposiciones individuales que ha realizado internacionalmente llegando a ser más de 100, inclusive es uno de los pocos que tienen su propio museo, en el cual, expone obra de grandes figuras artísticas como Rufino Tamayo, Sergio Hernández, Francisco Toledo, Manuel Felguérez y más, factores que posicionan su arte dentro de las más valiosas. Si te interesa puedes hacerte de una de sus obras, consulta precios, disponibilidad y los procesos de venta en info@yurilopezkullins.com
La obra de Jazzamoart (seudónimo de Javier Vázquez Estupiñán) es una explosión de ritmo, color y expresión visceral que, desde hace décadas, ocupa un lugar singular dentro del arte mexicano contemporáneo. Su universo plástico está profundamente influenciado por el jazz —de ahí su nombre artístico—, cuyas cadencias, improvisaciones y pasiones se trasladan al lienzo en forma de figuras dinámicas, rostros distorsionados y trazos intensos que evocan el movimiento sonoro de una trompeta o un contrabajo. La pintura de Jazzamoart no busca la perfección formal, sino el grito interior, la atmósfera del momento, el diálogo entre la música y el gesto pictórico.
A lo largo de su carrera, Jazzamoart ha logrado consolidarse como un referente del expresionismo mexicano moderno, integrando elementos del arte urbano, la gestualidad de los grandes maestros del siglo XX y una profunda raíz en la tradición cultural mexicana. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de todo el mundo, desde el Museo de Arte Moderno en México hasta espacios en Europa y Asia, posicionándolo como una figura sólida dentro del coleccionismo internacional.
En el contexto actual del mercado del arte, la obra de Jazzamoart está viviendo un nuevo auge. Por un lado, hay un renovado interés por artistas que fusionan lo plástico con otras disciplinas como la música y la poesía, y por otro, se valora con fuerza la autenticidad expresiva y la identidad cultural, rasgos que Jazzamoart transmite con intensidad. Además, la revalorización del arte latinoamericano ha impulsado el reconocimiento de trayectorias como la suya, que combinan legado, lenguaje propio y proyección internacional.
Adquirir una obra de Jazzamoart hoy no solo representa una inversión estética y emocional, sino también una oportunidad estratégica. Su cotización ha ido en ascenso constante, y su presencia en ferias, colecciones públicas y privadas garantiza la permanencia de su valor. Es un artista vivo, activo, en pleno dominio de su lenguaje, lo cual añade un atractivo adicional para el coleccionista que busca obras con energía, historia y visión.
Este es, sin duda, un momento idóneo para acercarse a su obra: por su fuerza expresiva, por su consolidación en el panorama artístico y por la certeza de estar incorporando a una colección una pieza que late con la intensidad de un saxofón en libertad.
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Del 30 de mayo al 6 de junio en Galeria YLK – Muestra t 2025
ÁLVARO SONSON ECHA UNA MIRADA AL PASADO CON SU NUEVA EXPOSICIÓN
“MALAS DECISIONES”
Un año más la Galería YLK se convierte, por su compromiso y diversidad artística, en una de las sedes culturales más representativas del Festival Cultural de Madrid Orgullo, Muestra t 2025. La galería acogerá hasta el 6 de junio, “Malas Decisiones”, la nueva exposición del artista Alvaro Sonson.
“MALAS DECISIONES” va precisamente de esos momentos en los cuales nos dejamos llevar, dejando de lado nuestra parte más racional – asegura el artista- Esos pequeños giros en nuestras vidas que simplemente quedarán como una anécdota o un simple error que nos sirvió para aprender.”
Álvaro Sonson es un artista plástico multidisciplinar que encuentra en el dibujo el lenguaje esencial desde la infancia. Su obra fusiona dibujo y pintura como medios inseparables para representar el mundo con libertad y energía.Trabaja la figuración desde la abstracción expresiva, combinando manchas, trazos y pinceladas con un enfoque espontáneo y gestual. Su estilo, marcado por la frescura y el ritmo del proceso, refleja un temperamento inquieto y el gesto como forma de narrar desde lo emocional.
Su exposición podrá disfrutarse en la Galería YLK durante una semana, y formará parte de la ruta expositiva Muestra t 2025.
Muestra t es el Festival Cultural de Madrid Orgullo (MADO) cuyo Comité Organizador está formado por AEGAL, COGAM y FELGTB. Tiene como patrocinador institucional principal al Ayuntamiento de Madrid y también cuenta con el patrocinio institucional de la Comunidad de Madrid. Los patrocinadores oficiales de Muestra t 2025 con BBVA y Microsoft España
Toledo (España), 16 may (EFE).- El artista mexicano Jazzamoart desembarca en Toledo con una exposición en la que rinde homenaje a la ciudad imaginando a uno de sus mayores símbolos, El Greco, como un músico de jazz. La fusión viene de un juego, explica en una entrevista con EFE, y un ejercicio de imaginación que surge de la idea de qué hubiera pasado si “hubiera entrado a una taberna de Toledo donde tocaran jazz”. IMAGEN: ISMAEL HERRERO. TOTALES DEL ARTISTA MEXICANO JAZZAMOART EN ENTREVISTA CON EFE. RECURSOS DE LA EXPOSICIÓN ‘EL BOP DEL GRECO’.
Solcita un catálogo de obra Jazzamoart en info@yurilopezkullins.com
Jazzamoart es un artista visual mexicano que adoptó este nombre (sístesis de jazz, amor y arte) debido a su pasión por el jazz y su amor por cualquier tipo de arte. Comparte estas pasiones con su amigo el torero Francisco Esplá, quien, junto con el escritor mexicano afincado en España Jorge Fernández, apadrinó la presentación de su libro La soledad del Pintor que pretende ser compendio de su amor a la pintura, al jazz y al toreo como arte vivo.
El libro, editado por Turner, se presentó el sábado 19 de mayo de 2018 en la librería La buena vida de Madrid, y allí se habló de las querencias compartidas entre los tres por el jazz, las cantinas mexicanas, especialmente las de Guanajuato como templos para hablar sin prisas de jazz y toros, y de las experiencias marcadoras en la vida.
Los tres intervinientes se habían conocido entre sí merced a un cúmulo de casualidades. Fernández confesó cómo la primera vez que entró en el estudio de Jazzamoart, casi se vio «entorilado» a entrar en un cuadro que ocupaba todo un muro y que si el pintor no lo frena, ciertamente se habría embarrado todo allí dentro, tal fue el entusiasmo que su pintura le suscitó y del que brotó una amistad llamada a ser eterna que, sin embargo, no esperaba que le entorilara de nuevo, esta vez a hablar y escribir sobre su libro.
Con el torero Esplá, quiso la casualidad que Jazzamoart se cruzara en un aeropuerto y lo abordara con mucho respeto y hasta miedo: miedo a que su ídolo se le cayera del pedestal, como le ocurrió antes con otros que más valiera no haber conocido como personas porque aún seguirían allí subiditos a lo más alto. Pero no. Vencidas todas las precauciones mutuas (la verborrea entusiasta e incontenible del mexicano y la discreción casi académico taurina del alicantino), se fraguó entre ellos un compañerismo fraterno que llega hasta hoy. Esplá, retirado del toreo, estudió Bellas artes y además de pintor, siente pasión por las estilográficas y cualquier objeto que lleve algo de arte. De todo ello habló con discreción y prudencia, en armónico contraste con sus dos contrincantes.
Jazzamoart quien, además del libro, expone estos días y hasta el 16 de junio su muestra Jam 400 en la Galería madrileña YLK, es entusiasta de la pintura española, particularmente de la obra de Velázquez, ha hecho una interpretación de Las Meninas en modo tauromáquico, un cuadro en el que predominan los colores grana y oro sobre un fondo embararrado, con Velázquez como torero y el pintor mismo (Jazzamoart) fuera del cuadro y mirándolo torear: «Velázquez se voltea y, en lugar de Las meninas, tiene al toro. Porque aunque en la pintura te la juegas de manera distinta, también te enfrentas a la verdad.» Y esto (este enfrentarse a la verdad) es lo que comparte el toreo con el resto de las bellas artes, sólo que en el toreo el objeto del arte es un ser vivo al que hay que moldear y en la pintura es materia muerta que el pintor ha de convertir en vida dotándole de vida por la fuerza del arte para que si ello es menester, se revuelva contra él.
– Hay veces –intervino aquí Francisco Esplá-, que cuando entras al estudio al día siguiente, el cuadro te mira como diciéndote: «Mira lo que me has hecho, mira cómo me dejaste ayer. Y no te queda más remedio que intervenir».
– Eso me recuerda a mi matromonio –terció Fernández, quien aquel mismo día había publicado un artículo en El País sobre el arte y en especial el de su amigo y admirado Jazzamoart. -Te enfrentas a la verdad. Hay que tener en cuenta que Velázquez se sintió toda la vida un fracasado, y no digamos Van Gogh, y esos miedos también los comparten por igual el artista y el torero, si bien en el primero caso puede morir.
– Garbo y salero es lo que hay que tener en ambos casos. Garbo y salero, que eso no lo tiene cualquiera – terció Jazzamoart-, y yo los tenía con cinco años, con ocho ya tuve mi primer traje de luces que me hizo una de mis tías, pero luego me faltó «una cosita», como en la wamba, y es el valor para salir ahí a enfrentarte al toro. Y no digamos ya en Las Ventas, la plaza más exigente del mundo, que casi aburre de pura exigencia. El tiempo también juega de distinta manera, pues en el cuadro actúa después. No así en el toreo donde el arte sucede entiempo real. En cuanto a la soledad del pintor, es evidente, más aún si se compara con el torero: Uno no se imagina 45.000 personas presenciando la faena del pintor, ni siquiera de Picasso, y menos aplaudiendo y exclamando ¡Olé! a cada faena.
Fue una mañana memorable en que se habló muy en serio de arte y de toros pero en la que al mismo tiempo y con toda la seriedad que el tema requiere, era imposible no reírse a cada paso por culpa del ingenio de los tres.
Doctor en Filología por la Complutense, me licencié en la Universidad de Oviedo, donde profesores como Alarcos, Clavería, Caso o Cachero me marcaron más de lo que entonces pensé. Inolvidables fueron los que antes tuve en el antiguo Instituto Femenino “Juan del Enzina” de León: siempre que cruzo la Plaza de Santo Martino me vuelven los recuerdos. Pero sobre todos ellos está Angelines Herrero, mi maestra de primaria, que se fijó en mí con devoción. Tengo buen oído para los idiomas y para la música, también para la escritura, de ahí que a veces me guíe más por el sonido que por el significado de las palabras. Mi director de tesis fue Álvaro Porto Dapena, a quien debo el sentido del orden que yo pueda tener al estructurar un texto. Escribir me cuesta y me pone en forma, en tanto que leer a los maestros me incita a afilar mi estilo. Me van los clásicos, los románticos y los barrocos. Y de la Edad Media, hasta la Inquisición.
Yuri López Kullins. Galería de Arte en México y España 