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Recomendaciones para hacer una compra de arte

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10 Tips para hacer una buena compra de arte

1.- No compres a ciegas, visita diversos foros donde se presente arte y lee un poco sobre el autor o el estilo que más te atrae, no importa si es un artista emergente o con sólida carrera, lo importante es que sepas que estás adquiriendo y si ello tiene posibilidades de plusvalía.

2.- Invierte en una pieza que consideres tiene algo relevantemente distintivo, lo peor es comprar una obra que se parece  muchas.

3.- Desconfía de las gangas,un artista de remate no tiene futuro, tu obra no pasará de ser moda o un artículo de decoración querrás cambiarla en pocos años.

4.- No temas por el presupuesto con que dispones, seguramente hay una buena obra de arte esperando por ti, hay muy buenas piezas de artistas noveles que suelen ser buena inversión a futuro al tiempo que complacen tus preferencias.

5.- Preferentemente evita comprar  con revendedores de tercera mano sin prestigio, es difícil tener la certeza de haber comprado una pieza original.

6.-Cuida de solicitar un certificado de autenticidad, lo desearás tener cuando esa obra que compraste resulte ser de un artista que se colocó por las nubes.

7.- Recibe ayuda de quienes conocen el tema, no es malo no saber sino dejarse llevar por malos consejos.

8.- Duda de los artistas que se sobre exponen, tienden a la baja por saturación, independientemente de que por lógica es imposible que de una sola persona produzca tal número de piezas, lo más seguro es que ya no las está realizando el mismo.

9.-Una buena compra no se hace tratando de combinar con tu sala.

10.- No te dejes impresionar por lo ornamental del marco, imagina la obra sin el y ve que queda ¿sigue siendo consistente?

Yuri López Kullins Promotora Cultural     Av Baja California 349 Condesa, Cd de México

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Domingo – El Universal – Revista semanal – La nueva cara de Marte

http://www.domingoeluniversal.mx/placeres/detalle/La+nueva+cara+de+Marte-4363

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No son mamadas, ellos rompieron paradigmas

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No son mamadas, ellos rompieron paradigmas 

Difícil es destacar en cualquier actividad profesional, la competencia siempre es rudísima si se desea estar en la cima, el arte no esta ajeno a este desafío.

Sólo la escuela de arte de la UNAM genera un promedio de 3500  nuevos alumnos cada semestre, el porcentaje de deserción es sumamente elevado y si a esto le agregamos que un alto índice de egresados no alcanzarán los estándares mínimos requeridos para lograr una estabilidad económica dedicándose a la actividad aprendida, entonces estamos hablando de realmente muy pocos casos de artistas destacados cada año. ¿No me crees? dame 10 nuevos artistas con fama y fortuna en este año.

Pocos, realmente pocos pueden decir que han logrado cumplir no solo con su compromiso personal si no también con el de los que estamos ávidos de ver nuevas propuestas, de ser testigo de esas obras que valientemente rompen los patrones aprendidos, escúchenlo bien,  la mayoría de los grandes maestros de arte, aquellos a los cuales seguimos respetando e intentando replicar NO siguieron la brecha marcada por otros, cierto es que se puede tener de forma consciente o inconsciente influencia del trabajo de quienes se admira,  pero si marcáramos una cualidad coincidente sería que ellos rompieron los moldes.

Seguir paradigmas esta bien mientras no logres replantear el paradigma, la meta debería ser generar un nuevo modelo, hacer escuela más no seguir la escuela, porque seguir el camino de los grandes maestros debe ser cuestión del proceso de aprendizaje más debe quedarse allí donde pertenece: el aula.

Una de mis recomendaciones es que uses tu visión periférica para primero ubicarte donde te encuentras, luego da un paso adelante en relación de tus similares, una vez que te liberes y cortes el cordón umbilical que te ata, marca tu verdadera ruta.

Los coleccionistas no solo buscan al mejor, buscan al genio que ofrece lo que nadie más.

Aquí te comparto las ligas que nos describen las historias solo de algunos como Helen Frankenthaler, Antoni Tàpies y Van Gog,  porque ejemplos hay muchos para ilustrar que seguir patrones no siempre es lo mejor, el éxito a veces radica únicamente en dar ese paso valiente que muchos no lograrán dar nunca, la fama y la fortuna seguramente vendrán detrás.

Helen Frankenthaler:

http://www.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/despues-de-montanas-y-mar-frankenthaler-1956-1959/

Antonie Tapies:

https://es.wikipedia.org/wiki/Antoni_T%C3%A0pies

Van Gogh:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gogh.htm

Yuri López Kullins Promotora Cultural

Av Baja California 349 Condesa, Cd de México

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10 detalles que delatan que NO estás triunfando en la pintura

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10 detalles que delatan que NO estás triunfando en la pintura

1.- Te tomas la típica foto con tu paleta y pinceles sostenidos en las manos y te encargas de mostrarla a todo el mundo.

Querer apantallar con tu imagen de pintor no hace que tu obra sea buena

2.- Eso si tu foto personal de super galán o linda princesita pero las fotos de tu obra siempre están desalineadas, fuera de foco, mal iluminadas, sin recortar y  con la escenografía casera por detrás.

Se nota que no hay ni presupuesto ni talento estético, ni interés en verte profesional

3.- Tu primera pregunta al galerista es ¿Y en cuánto consideras que debo vender mi obra?

Lo has dicho todo: no vendes 

4- Tienes la costumbre de decir: A mi dame $…. por mi obra, tu súbele lo que quieras ganarle.

Mejor imposible, a ti que te importa el futuro de tu obra ¿no? 

5.- Te gusta dejar en claro que haces pintura por pedido eso si aclarando “Pero ese no es mi estilo, lo mio lo mio lo pinto aparte”

Si a estas alturas aun no tienes un estilo definido, seguramente nunca lo tendrás

6.- Escatimas en materiales, se nota poca pintura en tus trabajos.

Aún te da miedo invertirle más en material que lo que te van a pagar por la obra.

7.- Tú mismo haces tus bastidores.

Pésimo que te justifiques con un ” es que ami me gusta hacer todo el proceso”  o ” es que no confío en la calidad de los que venden” si de verdad estuvieras en la cumbre, no tendrías tiempo de imprimar menos de armar bastidores, mucho menos te atreverías a vender una obra con un bastidor de maderas de mala calidad que se tuercen en poco tiempo.

8.- Tus trabajos se parecen a los de muchos.

Seguramente sigues haciendo lo que te enseñaron en la escuela, sí, todo el salón pintando lo mismo. 

9.- No tienes orden en tus precios y si puedes claro que te pones de remate con tal de vender.  

Falta mucho para que te cotices, quizás nunca lo logres abaratando tu trabajo, no se trata de encarecer si no de dar la importancia a tu trabajo y construir una garantía a tus coleccionistas.

10.-Tienes más fotos bebiendo y conviviendo que mostrando tus proyectos.

Se nota que no te tomas en serio ni tu mismo.

Continuará. . . . .

YLK Promotora Cultural

Av Baja California 349 Condesa, Cd de México

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Galerías, Talleres o Casas de Subasta

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Galerías, Talleres o Casas de Subasta

La tarea de vender obras de arte nunca ha sido una actividad ni sencilla ni fácil de realizar, nos enfrentamos a un área que requiere no solo del talento de un artista sino de la suma de estrategias que éste o sus agentes ejecuten, los tiempo han cambiado, las formas tradicionales han sido rebasadas por la tecnología, si  bien hoy la galerías enfrentan un escenario de competencia no sólo con otras galerías sino también de forma directa  con el artista como resultado de disponer de herramientas digitales que abren la posibilidad a compradores y coleccionistas de llegar con mucha facilidad al taller del creador, por ende las ventas pueden acabar realizándose directamente en los talleres.

En lo personal aplaudo que el coleccionista esté en contacto directo con el artista, hay muchos factores que de forma natural pueden ayudar a generar una relación más sólida ente creador-comprador sin embargo si no se establecen compromisos o reglas básicas de respeto por la obra se corre el riesgo de generar una comercialización poco sana a lago plazo.

Nosotros hemos encontrado la forma de dar la alternativa de presentar la obra ya sea en nuestra galería o en el taller del artista, claro tenemos reglas acordadas previamente con lo cual generamos una sinergia que favorece a una mejor relación a largo plazo entre las partes involucradas: Artista-Coleccionista-Galería

Te comparto esta liga en la cual puedes leer diversas opiniones sobre agentes rectores en el  mercado de arte.

http://eleconomista.com.mx/entretenimiento/2012/02/14/arte-mexico-como-se-vende

Yuri López Kullins Promotora Cultural

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13 recomendaciones para artistas

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Algunas de nuestras recomendaciones para artistas:
1.- Trata de presentar nuevas obras cada vez que ingresas a una exposición, mostrar las mismas piezas por periodos prolongados anticipa que hay poco movimiento de tu obra.
2.- Si vas a presentar una pieza ya existente desempólvala, revisa los cantos y restaura su condición, las obras notoriamente “arrumbadas” no hablan bien de tu profesionalismo.
3.- Si notas que el marco que colocaste ya está lastimado, cámbialo, renuévalo o elimínalo una buena obra de arte no debe depender de un marco para poder cautivar peor aun cuando está en malas condiciones.
4.- Hablando de marcos, colocar un marco ostentoso o muy llamativo suele “comerse a la obra” o bien proyectar que dada la baja calidad del trabajo se requiere de un buen marco para que “luzca”, solo las obra decorativas suelen requerir de un marco llamativo para venderse, es muy distinto que el coleccionista a gusto personal opte por colocar un marco refinado acorde a su gusto.

5.- Revisa la parte posterior de tu obra, si las has tenido embalada seguramente pueda tener no solo polvo,pelusas  o telarañas, retíralas antes de presentarte con ellas al lugar de su exposición, el foro de exposición no tienen la responsabilidad de “limpiar tu obra”  y un comprador jamás aceptaría llevar a su hogar una obra que incluye elementos indeseables.

6.- No inicies tu presentación con el clásico “yo vendo bien mi obra” el reto no es solo venderla sino posicionar tu firma, tu producción y mejorar la calidad de tus ventas, la auténtica meta es vender más allá de tu círculo primario de forma constante. El argumento de que se vende bien tu obra es irrelevante cuando además te encargas de hacer notar que tienes un cuantioso inventario en tu taller.

7.- Trata de homologar el valor de mercado de tu obra, no hay peor estrategia que vender “según el sapo la pedrada” tu obra tiene un valor de mercado independientemente de que estés concediendo una comisión a un intermediario o la vendas de forma directa, nunca la galería debe sumarle al precio la comisión de venta, ni permitir que sea el art dealer el que le suba al precio lo que desea ganar por la venta, la comisión ya debe venir incluida en tus precios estándar porque el comprador no debe ser el que cargue con las comisiones extras. Si lo que deseas es no aumentar tus precios por comisiones,  la alternativa es vender únicamente de forma directa. Es sumamente decepcionante para un coleccionista encontrarse con un precio por debajo de lo que pagó  por ese mismo autor por una obra en características similares.

8.- Tu coleccionista aún cuando no lo expresa abiertamente desea que tu obra tenga una plusvalía al paso del tiempo, trabaja para colocarte en mejores condiciones a largo plazo.

9.- Deja de pensar que tu actividad es solo por amor al arte,  los artistas también merecen vivir bien de su trabajo al igual que lo hacen otros profesionistas.

10.- Si tu trayectoria lo permite concéntrate en la parte creativa y de producción, delega las actividades de comercialización, cobranza y entrega de obra a  quienes se dedican a ello, no hay peor imagen del artista pobretón que acaba de todólogo. Si tu interés esta centrado en controlar por completo tu comercialización, entonces contrata al personal para que realicen esas actividades.

11.- Durante el evento de exposición no repartas tus tarjetas ni teléfonos, la labor de venta corresponde al foro en el que te encuentras, peor aún si no eres el artista expositor.

12.- El recibir visitantes a tu taller enriquece la experiencia con los coleccionistas y hace más sólida la relación con ellos, pero de ninguna manera es un motivo para permitir el regateo de obra, en el momento que estás haciendo rebajas, estás devaluando la compra de todos tus anteriores compradores.

13.- La labor del artista en conjunto con sus aliados debe ser dignificar tu obra así como fortalecer la inversión de tus compradores o coleccionistas.

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Arte deliberadamente kitsch

“Con el surgimiento del postmodernismo en los años ochenta, la línea entre lo kitsch y el arte se volvió otra vez borrosa.”  Así lo cita al Wikipedia

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A propósito del estilo Kitsch les comparto la siguiente liga:

http://humanidades.uach.cl/documentos_linguisticos/document.php?id=48

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Letras que marcan la diferencia

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Constantemente leo sobre la trayectoria de algunos personas vinculadas con la labor en las artes plásticas, válido o no hay quienes optan por ensalzar sus semblanzas al grado de desubicarse del mundo terrenal, las proezas no son proezas cuando los parámetros de premiación los hemos marcado nosotros mismos, nuestro compadre o nuestros mejores amigos, peor aún cuando éstos han tenido un “costo monetario” para ser recibidos, las loas auto-concedidas no representan más que meras letras impresas en un papel, quizás se logre el objetivo e impresione a los menos conocedores o bien a nuestros familiares y gente cercana, pero la verdadera proeza está en la producción de la obra misma, aquella que saca la casta cuando tiene reconocimiento  de conocedores, aquella que no necesita del aval de los otros sino que trasciende por que tiene “con que”, discúlpenme ustedes pero por más que se deseara la academia no se puede ocultar porque es más  evidente que cualquier diploma o trofeo obtenido de forma gratuita o pagada; tan gris es pensar que entre más inflado este mi currículo más prestigio voy a obtener. Ser congruente siempre es una buena alternativa para dar pasos firmes sobre todo cuando se alardea ser  “gente de cultura” y se acaba escribiendo subrealismo en vez de Surrealismo.

Por tal y a manera de sugerencia les dejo la siguiente liga que me pareció muy elocuente para que nos quede clara la forma correcta de escribir la palabra que refiere al género usado en la plástica por maestros como Magritte, Mallo o Varo.

http://gramaticacomosedice.blogspot.mx/2014/01/surrealismo-subrealismo-que-es-correcto.html

PD. No olvides que surrealista o no espero tu comentario.

Yuri López Kullins Promotora Cultural

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Arquetipos Visuales Exposición colectiva

Te invitamos a nuestra próxima inauguración. Entrada libre- cóctel de honor.

Viernes 21 de agosto 2015 a partir de las 19:00 hrs

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Lo dicen los otros

Luis Vargas El tartufo

LO DICEN LOS OTROS

Constantemente leemos o escuchamos opiniones sobre la premisa de que el arte ha muerto, podríamos estar o no de acuerdo, sin embargo es aceptable tener un juicio propio sustentado en nuestras personales preferencias, gustos , conocimiento o intereses, lo sanamente criticable es evadir las condiciones bajo las cuales el arte se transforma evolucionando o involucionando, mucho de lo que históricamente se ha producido dentro del arte hoy “aceptado”  fue fatalmente  pronosticado, nadie calificaba favorablemente el trabajo de Van Gogh, en tanto  hoy es un referente inevitable dentro y fuera de los ambientes dedicados al arte,los veredictos simplemente corresponderá dictarlos al tiempo.

Estemos de acuerdo o no,  vale la pena asomarse por lo que las nuevas generaciones de artistas proponen ¿Acaso no hemos aprendido que los modelos antagónicos pueden darnos resultados más allá de los esperado?  en lo personal me agrada la idea de empujar al vacío las zonas de confort instaladas en el arte, como diría mi abuelita  “ya veremos de que cuero salen más correas”.

Te comparto la siguiente liga que no ha sido escrita por mi pero que nos refiere al tema aquí tratado.

http://myartdiary.com/2013/01/03/como-acercarse-al-arte-contemporaneo-seis-sencillos-y-efectivos-pasos/

12 de junio 2015